Adivinhe Quem vem para Jantar (1967) / Guess Who’s Coming to Dinner (1967)

 

Eu fui apresentada a Sidney Poitier pela minha professora de português do Ensino Fundamental II, que passou “Ao Mestre, com Carinho” (1968) para nós na sexta série. Quando eu comentei sobre ter visto o filme, uma das amigas da minha mãe confessou que era apaixonada por Poitier por causa de dois filmes: aquele que eu recém havia visto e “Adivinhe Quem vem para Jantar”. Uns quatro anos mais tarde eu fui apresentada à dupla dinâmica e romântica de Katharine Hepburn e Spencer Tracy. Assisti a alguns dos nove filmes que eles fizeram juntos, mas ainda não era a hora de assistir à colaboração final deles. A hora finalmente chegou.

I was introduced to Sidney Poitier by my middle school grammar teacher, who showed “To Sir, With Love” (1968) for us in sixth grade. When I talked about seeing the movie, one of my mom’s friends confessed she was in love with Poitier because of two films: that one I’d just watched and “Guess Who’s Coming to Dinner”. Some four years later I was introduced to the dynamic and romantic duo of Katharine Hepburn and Spencer Tracy. I watched some of the nine films they made together, but it wasn’t time to watch their final collaboration. The time finally arrived.

Um homem e uma mulher descem de um avião, conversando animadamente e com intimidade. Ele é negro, ela é branca. Um motorista de táxi se surpreende, assim como a plateia, quando eles se beijam no banco de trás do táxi, uma cena vista pelo retrovisor. Ele é o doutor John Prentice (Sidney Poitier), e ela é Joanna Drayton (Katharine Houghton, sobrinha na vida real de Hepburn). Eles se conheceram há somente dez dias, mas já têm certeza de que querem se casar e viver felizes para sempre. O obstáculo? Preconceito.

A man and a woman come off a plane, chatting with excitement and closeness. He’s black, she’s white. A taxi driver is surprised, as we in the audience also are, when they kiss in the back of the taxi, a scene seen by the rear mirror. He is doctor John Prentice (Sidney Poitier) and she is Joanna Drayton (Katharine Houghton, Hepburn’s real-life niece). They have known each other for only 10 days, but they are sure that they want to get married and live happily ever after. The obstacle? Prejudice.

Não é um problema o fato de John ter sido casado e tido um filho, afinal, sua esposa e a criança morreram num acidente de trem oito anos antes. John brinca que Joanna “não tem como saber quando estou com as bochechas vermelhas” e esta é sua maneira de fazer piada sobre um assunto sério. A mãe de Joanna, Christina (Katharine Hepburn), já mostrou surpresa e desapontamento em seu olhar quando ela pôs os olhos em John. O pai dela, Matt (Spencer Tracy), também está embasbacado e decide investigar o doutor Prentice. E eles têm que ser rápidos: John pega um voo naquela noite, e na semana seguinte ele e Joanna se casam em Genebra. Os Draytons darão ao casal sua bênção? 

There is no problem that John had been married and had a son, after all, wife and kid died in a train accident eight years before. John jokes that Joanna “can’t know when I’m blushing” and this is his way to joke about a serious issue. Joanna’s mother Christina (Katharine Hepburn) already showed surprise and disappointment in her look when she laid eyes on John. Her father Matt (Spencer Tracy) is also flabbergasted and decides to investigate Doctor Prentice. And they must be quick: John grabs a plane that night, and the following week he and Joanna will get married in Geneva. Will the Draytons give the couple their blessing?

O preconceito vem também da empregada dos Draytons, Tillie (Isabel Sanford). Ela é direta quando diz para Joanna que não pode se casar com John porque ele é negro. Joanna aponta que Tillie é da mesma cor que John, e por isso por que ela pode amar Tillie e não John? Às vezes o racismo está tão internalizado que negros falam e fazem coisas racistas. 

The prejudice also comes from the Draytons’ maid, Tillie (Isabel Sanford). She is blunt and candid as she says that Joanna can’t marry John because he’s black. Joanna points out that Tillie is the same color as John, so why can she love Tillie and can’t love John? Sometimes racism is so internalized that black people talk and do racist things.

Por outro lado, há aqueles que parecem ser daltônicos com o assunto, como a própria Joanna e um amigo dos Draytons, Monsenhor Ryan (Cecil Kellaway). Ele diz que já viu um bom número de casais interraciais e eles provavelmente vivem melhor porque há mais esforço, consideração e compreensão entre eles para fazer o casamento funcionar. A última lei Jim Crow de segregação havia sido revogada em 1965, e o curioso caso do casal Loving acontecido em 1958 e, como o pai de John o lembra, o casamento interracial era então ainda ilegal em 16 estados.  

On the other hand, there are those who seem to be colorblind about the issue, like Joanna herself and a friend of the Draytons, Monsignor Ryan (Cecil Kellaway). He says he’s seen a good amount of interracial couples and they probably live better together because there is more effort, consideration and comprehension between them to make the marriage work out. The last Jim Crow segregation law had been overruled in 1965, and the curious case of the Loving couple had happened in 1958 and, as John’s father reminds him, interracial marriage by then was still illegal in 16 states.

Em “Old Films, Young Eyes” (resenha em inglês AQUI), a autora Simone Elias transcreve uma fala da avó, que assistiu ao filme perto da estreia: “Na época, foi visto como um filme realmente revolucionário, por causa de uma mulher branca e um homem negro se apaixonando, formando uma relação saudável, e se casando”. Eram tempos revolucionários: pouco antes da estreia, o casamento interracial foi permitido em todos os estados. Era um passo em direção ao progresso.  

In “Old Films, Young Eyes”, author Simone Elias transcribes a quote by her grandmother, who watched the film near its premiere: “At the time, it was thought to be a breakthrough, a real revolutionary movie, because of a white woman and a black man falling in love, forming a healthy relationship, and getting married.” These were revolutionary times: months before the premiere, interracial marriage was allowed in all states. It was a step towards progress.

Spencer Tracy - ganhador de dois Oscars de Melhor Ator - e Sidney Poitier - um Oscar de Melhor Ator - são o primeiro e o segundo nomes nos créditos, e em terceiro lugar vem Katharine Hepburn, que ganharia seu segundo Oscar por esse filme, mais de 40 anos após a primeira vitória. Poitier, Tracy e Hepburn foram todos indicados ao Oscar pelo filme, mas só ela ganhou - uma vitória merecida, pois seus olhos expressivos podiam dizer mais que um monólogo. Mas são os olhos de Tracy que se enchem d’água quando ela fala sobre a melhor época do relacionamento deles - como você deve saber, Tracy e Hepburn estiveram romanticamente envolvidos por 25 anos.

Spencer Tracy - two Best Actor Oscars - and Sidney Poitier - one Best Actor Oscar - are billed first and second, and third comes Katharine Hepburn, who would win her second Oscar for this film, more than forty years after her first win. Poitier, Tracy and Hepburn were all nominated for Oscars for the film, but only she won - a win she deserved, as her expressive eyes could tell more than a long monologue. But it’s Tracy’s eyes that fill with water when she talks about the best time of their relationship - as you may know, Tracy and Hepburn were romantically involved for 25 years.

O diretor e produtor Stanley Kramer nasceu em Nova York em 1913 e era judeu - ele sabia por experiência própria o que era preconceito e discriminação. De acordo com o IMDb, ele produziu 35 títulos entre 1942 e 1979 e dirigiu 19 filmes, sendo indicado ao Oscar nove vezes, mas ganhou apenas o prêmio honorário Irving Thalberg Memorial Award em 1962. Para “Adivinhe Quem vem para Jantar”, tanto Kramer quanto Hepburn usaram seus salários como garantia porque Tracy estava muito doente durante as gravações e a garantia monetária era necessária se ele falecesse antes do fim das gravações. Tracy faleceu 17 dias após o fim das gravações. 

Director and producer Stanley Kramer was born in New York in 1913 and was Jewish - he knew a lot from his own experience about bigotry and discrimination. According to IMDb, he produced 35 titles from 1942 to 1979 and directed 19 films, being nominated for nine Oscars, but won only the Irving Thalberg Memorial Award in 1962. For “Guess Who’s Coming to Dinner”, both Kramer and Hepburn used their salaries as backing because Tracy was too sick while filming and the backing was necessary if he died before the filming was done. Tracy died 17 days after the shooting ended.

Sem dúvida inspirado pelo filme de 1967, no Brasil em 1973 estreou “Compasso de Espera”, no qual Jorge, um escritor e publicitário, se apaixona por Cristina, uma modelo. Ele é negro, ela é branca. No Brasil existe o mito da “democracia racial”, que diz que não existe racismo no país, mas está longe da verdade. O casal interpretado por Zózimo Bulbul e Renée de Vielmond sofre preconceito sobretudo de estranhos. 

Without a doubt inspired by the 1967 film, in Brazil in 1973 premiered the film “Compasso de Espera”, in which Jorge, a writer and publicist, falls in love with Cristina, a model. He’s black, she’s white. In Brazil there is the myth of “racial democracy”, according to which there isn’t racism in the country, but the contrary is true. The couple, played by Zózimo Bulbul and Renée de Vielmond, faces backlash especially from strangers.

A relação entre pais e filhos é desafiadora, e nela ambos os lados podem enfrentar situações que jamais imaginaram - como os Draytons vendo sua filha apaixonada por um homem negro. Mas os obstáculos que enfrentamos podem nos ensinar que somos mais fortes do que pensamos. Como alguém que descobre um novo sabor de sorvete favorito, nos acostumamos com coisas novas. 

The parents-children relationship is a challenging one, in which both sides might face situations they never dreamed about - like the Draytons seeing their daughter falling in love with a black man. But the obstacles we face can teach us that we’re stronger than we thought. Like someone who discovers a new favorite ice cream flavor, we get used to new things.

O Gato e o Canário (1927) / The Cat and the Canary (1927)

 

O que podemos esperar de um filme que começa com seu cenário sendo descrito como “a grotesca mansão de um milionário excêntrico”? Sustos, arrepios na espinha e diversão: tudo isso em apenas 87 minutos. Este é “O Gato e o Canário”.

What can we expect from a movie that starts with its setting described as “the grotesque mansion of an eccentric millionaire”? Thrills, shills and fun: this all packed in 87 minutes. This is “The Cat and the Canary”.

Quando estava morrendo, Cyrus West sentiu que seus parentes eram como gatos em torno de um canário, isto é, predadores. No vigésimo aniversário de sua morte, esses parentes se reúnem na mansão para finalmente abrirem seu testamento. Todos estão com os nervos à flor da pele por estarem numa mansão mal-assombrada, mas a curiosidade sobre quem ficará com o dinheiro é maior que qualquer medo.

When he was dying, Cyrus West felt that his relatives were like cats around a canary, that is, predators. On the 20th anniversary of his death, these relatives reunite in his mansion to finally hear the reading of his will. Everybody is nervous to be in a haunted mansion, but the wish to know who gets the money is bigger than any fear.

O vencedor leva tudo, e a vencedora é Annabelle West (Laura La Plante). Mas há uma condição: a nova herdeira deve ser examinada por um médico e declarada mentalmente sã, ou o dinheiro irá para outra pessoa. Annabelle e os outros estão se preparando para passar a noite na mansão quando o retrato de Cyrus cai da parede:  é um mau pressentimento, algo terrível acontecerá naquela noite, diz a governanta. Annabelle é agora o canário em meio aos gatos.

Winner takes it all, and the winner is Annabelle West (Laura La Plante). But there is a condition: the new heiress must be examined by a doctor and be declared mentally sane, or the money will go to someone else. Annabelle and the others prepare to spend the night at the mansion when Cyrus’s portrait falls from the wall: it’s a bad omen, something terrible will happen that night, says the housekeeper. Annabelle is now the canary among the cats.

Para ter mais emoção, um guarda chega com a notícia de que um louco fugiu do hospício e provavelmente está escondido em algum canto da mansão. Este louco pensa que é um gato e destrói as suas vítimas como se fossem canários indefesos. Mais essa agora: os convidados começam a suspeitar que Annabelle está louca, até que ela prova que há na mansão passagens secretas e quartos ocultos.

To spice things up, a guard arrives with the news that a lunatic escaped and is probably hidden somewhere inside the mansion. This lunatic thinks he’s a cat and destroys his victims as if they were defenseless canaries. More than that: the guests start suspecting that Annabelle is crazy, until she proves there are secret passages and hidden rooms in the mansion.

Algumas cartelas de texto são muito engraçadas, brincando não apenas com o significado das palavras, mas também com a forma delas e com sua distribuição na tela. O design dos intertítulos era uma arte e o homem responsável por eles neste filme foi Walter Anthony, que estreou nos cinemas fazendo as cartelas de texto para “Esposas Ingênuas” (1922) de Stroheim e trabalhou para além da morte: quatro anos após ele morrer ainda eram feitos curtas que ele escrevera.

Some title cards are very funny, playing not only with the meaning of the words, but also with their shapes and how they’re distributed on screen. Title card design was truly an art and the man responsible for them in this movie was Walter Anthony, who debuted in films doing the title cards for Stroheim’s “Foolish Wives” (1922) and worked beyond his death: four years after he died short films written by him were still being made.

As mãos são um motif importante no filme. Há, obviamente, as mãos que saem da parede para roubar o colar de diamantes de Annabelle, um símbolo que praticamente representa o filme porque permanece nas nossas mentes após o fim da projeção. Mas há também as mãos do médico consultando Annabelle: elas aparecem em close-up na frente do rosto dele, elas sentem o pulso da mulher, elas abrem os olhos dela. Há outros momentos, mas mencioná-los seria dar spoiler. A dúvida permanece: pelas mãos de quem Annabelle perecerá? 

Hands are an important motif in the movie. There are, of course, the hands that come out of the wall to steal Annabelle’s diamond necklace, a symbol that practically represents the film as it remains in our minds after the projection is over. But there are also the hands of the doctor who is analyzing Annabelle: they appear in close-up in front of his face, they feel the woman’s pulse, they open her eyes. There are other handy moments (LOL), but they configure as spoilers. The doubt lingers: by whose hands will Annabelle perish?

“O Gato e o Canário” teve origem como peça de teatro do dramaturgo John Willard. O roteiro é de Robert F. Hill, que também serviu como diretor assistente, e Alfred A. Cohn, com o mesmo sobrenome do editor Martin G. Cohn, e ambos com o mesmo sobrenome de Harry Cohn, o chefão dos estúdios Columbia - os três não eram parentes de sangue e este filme foi feito pelos estúdios Universal. 

“The Cat and the Canary” originated as a stage play by John Willard. The scenario was by Robert F. Hill, who also served as assistant director, and Alfred A. Cohn, who shares a last name with editor Martin G. Cohn, and both shared the last name with Harry Cohn, the big boss at Columbia studios - they weren’t related by blood and this film was made at Universal. 

A tia Susan é interpretada por uma atriz que você deveria conhecer: Flora Finch. Metade de uma das primeiras duplas dinâmicas na História do cinema, a alta e magra Finch foi colocada ao lado do gorducho John Bunny seguindo a lógica de que opostos se atraem. Seus curtas eram chamados de “Bunnyfinches”. Em “O Gato e o Canário”, é possível ver que Flora era uma grande comediante, que fez mais de 270 filmes entre 1908 e 1939, com a maioria de seu trabalho nos talkies sendo como figurante. 

Aunt Susan is played by an actress you must know: Flora Finch. One half of one of the very first dynamic duos in the History of cinema, the tall and thin Finch was paired with the chubby John Bunny following the notion that opposites attract each other. Their shorts were nicknamed “Bunnyfinches”. In “The Cat and the Canary”, you can see that Flora was a pro at comedy, making over 270 movies from 1908 to 1939, and most of her later works were uncredited. 

“O Gato e o Canário” tem a dose certa de suspense. Tem ainda um romance entre Annabelle e Paul Jones, interpretado por Creighton Hale. Um filme perfeito para ver no Halloween, este foi um dos últimos trabalhos do grande diretor Paul Leni, que morreu em 1929 aos 44 anos de complicações causadas por um dente infeccionado. A mistura de horror e humor era uma marca registrada de Leni e é uma pena que ele não tenha vivido mais para nos legar outros grandes filmes. 

“The Cat and the Canary” has just the right amount of spookiness. There is even romance between Annabelle and Paul Jones, played by Creighton Hale. A perfect film to kickstart Halloween season, this was one of the last works of the great director Paul Leni, who died in 1929 at age 44 from complications caused by an untreated tooth infection. The mix of humor and horror was one of Leni’s trademark and it’s a shame that he didn’t live longer to make other great movies like this one.

This is my contribution to the Secret Places and Trippy Houses blogathon, hosted by Rebecca at Taking Up Room.

44ª Giornate del Cinema Muto / 44th Pordenone Silent Film Festival

 Não curto muito celebrar meu aniversário. Gosto bastante das festividades do Natal. Mas minha época favorita do ano é outra: a semana quando acontece a Giornate del Cinema Muto. Desde a pandemia, o time por trás do festival vem sendo fantástico por oferecer uma programação online com um pouco de tudo que é exibido in loco em Pordenone, para os fãs do cinema mudo ao redor do mundo. Estou entre esses fãs espectadores pelo quinto ano consecutivo e aqui está um vislumbre desta semana mágica.

I’m not very fond of celebrating my birthday. I really like the parties around Christmas. But my favorite time of the year is another: the week when the Pordenone Silent Film Festival happens. Since the pandemic, the Giornate team has been kind enough to offer an online program with a little bit of everything that is shown in loco in Pordenone, for silent film fans around the world. I’m among them for the fifth consecutive year and here is an overview of this magic week.

O festival online começou com “Saias / A Little Bit of Fluff”, feito quando o som já estava chegando ao mundo do cinema – o glorioso ano de 1928. É uma farsa deliciosa sobre os vizinhos Bertram (Syd Chaplin), recém-casado, e Mamie (Betty Balfour), uma artista. A trama gira em torno das estripulias dele quando sua esposa deveria estar fora de casa e inclui ainda uma questão sobre um colar de pérolas e diamantes.

The online Giornate kicked off with “A Little Bit of Fluff”, from when sound was already arriving in the film world - the glorious year of 1928. It was a delightful farce about neighbors Bertram (Syd Chaplin), recently married, and Mamie (Betty Balfour), a showgirl. It revolves around his shenanigans when his wife is supposed to be out of town and also the ownership of a pearl and diamonds necklace.

Mais cedo este ano eu escrevi sobre o recentemente restaurado “Satan Fait la Noce”, de 1907. Na Giornate eu encontrei um Louis Feuillade mais contido fazendo uma série de filmes intitulados “A Vida como Ela É” entre 1911 e 1912. A restauração destes curtas estava ótima e as cópias perfeitas. Através deles fui introduzida a uma das maiores estrelas francesas da época Suzanne Grandais. A composição abaixo, de “Le Nain” de 1912, foi mais tarde imitada mas permanece como uma prova surpreendente de que o primeiro cinema era muito mais elaborado que comumente se pensa. Outro curta revelador da série foi “Erreur Tragique”, com um filme dentro do filme, com o protagonista vendo sua esposa com outro homem num filme exibido num cinema em Paris.

Earlier this year I’ve reviewed the recently recovered short “Satan Fait la Noce”, from 1907. At the Giornate I found a less mischievous Louis Feuillade making a series of films titled “Life As It Is” between 1911 and 1912. The restoration of these shorts was amazing and the prints were pristine. Through them I was introduced to one of the biggest French stars of the era, Suzanne Grandais. The shot below, from 1912’s “Le Nain”, was later imitated but remains a surprise proof that early film was much more elaborated than most think. Another revealing short of the series was “Erreur Tragique”, with a film-within-the-film, with the lead seeing his wife with another man in the film showing at a Paris movie theater.

Pela primeira vez na Giornate tive a chance de revisitar alguns “velhos amigos”, filmes que eu já havia visto antes. O primeiro foi o curta de abertura da programação online, “The Bond”, um filme patriótico com páthos. O esforço para venda de bônus de guerra pareceria propaganda sem-graça nas mãos de um cineasta menos habilidoso, mas Chaplin faz algo divertido e aprazível. Aliás, Chaplin e seus imitadores foram o foco de uma série na Giornate deste ano, e o que seguiu naturalmente a “the Bond” foi um filme do mesmo ano estrelando Billy West, reconhecido pelo próprio Chaplin como o melhor imitador de Chaplin. “His Day Out” foi divertido e quase tão bom quanto um filme do Vagabundo original. 

For the first time at the Giornate I had the chance to revisit some “old friends”, films I’ve watched before. The first one was the opening short for the online program, Chaplin’s “The Bond”, a film that is patriotic yet has pathos. The effort to sell liberty bonds would look like a dull propaganda in the hands of a less talented filmmaker, but Chaplin makes it fun and heartwarming. By the way, Chaplin and Chaplin imitators were the focus of a series at this year’s Giornate, and the natural follow-up to “The Bond” was a film from the same year with Billy West, acknowledged by Chaplin himself as the best Chaplin imitator. “His Day Out” was fun and almost as good as a film from the original Tramp.

O outro velho amigo que eu reassisti na Giornate foi a versão de 1913 de “Os Últimos Dias de Pompeia”. Cinco anos atrás (!) eu escrevi sobre as duas versões – dos estúdios Pasquali e Ambrosio – da história, ambos feitos em 1913. A Giornate apresentou a versão de Ambrosio, dirigida por Eleuterio Rodolfi. Eu não podia dizer não para uma restauração do filme, ainda mais com um tempo de exibição um pouco mais longo que o que eu vi. Falando em velhos amigos, houve também na Giornate um filme de Maurice Tourneur, que dirigiu um dos meus filmes mudos favoritos, “O Pássaro Azul / The Blue Bird”, de 1918. Mas eu vou falar mais sobre “A Urze Branca / The White Heather” no meu blog Lost and Found Films.

The other old friend I rewatched at the Giornate was the 1913 “The Last Days of Pompeii”. Five years ago (!) I reviewed the two versions - from the Pasquali and Ambrosio studios - of the story both made in 1913 in Italy. The Giornate screened the Ambrosio version, directed by Eleuterio Rodolfi. I couldn’t say no to a restoration of the print, with a slightly longer runtime. Speaking of old friends, there was also at the Giornate a film by Maurice Tourneur, who directed one of my favorite silents, 1918’s “The Blue Bird”. But I’ll talk more about “The White Heather” (1919) on my blog Lost and Found Films.

Além de “The Bond”, houve espaço para outro tipo de propaganda em Pordenone, mas bem diferente: propaganda soviética feita na Ucrânia e destinada para crianças! Primeiro exibiram “Robinson on His Own” (1929), sobre um garotinho nerd chamado Vasja (Boria Bohdanovskyi) que gosta de ler livros de aventura (norte-americanos) e decide partir em sua própria aventura. Foi tipo Madame Bovary ou Dom Quixote para crianças: cuidado com o que você lê!

Besides “The Bond”, there was plenty of space for another kind of propaganda in Pordenone, yet a very different one: Soviet propaganda made in Ukraine and aimed at children! First they showed “Robinson on his Own” (1929), about a nerdy boy named Vasja (Boria Bohdanovskyi) who likes to read (American) adventure novels and decides to go on his own adventure. It was kind of Madame Bovary or Don Quijote for children: beware at what you read!

O segundo filme de propaganda soviética com / para crianças foi “Adventures of a Penny” (também 1929), ambientado em tempos czaristas, quando crianças da classe trabalhadora fumavam e só podiam brincar nas ruas. A história é do traquinas Fedka (Kolia Kopelian) em suas muitas aventuras, sempre invadidas pelo rico e mimado Tolya (Mark Orlov). Este filme teve um excelente acompanhamento musical de Olga Podgaiskaya, completado por um coro de crianças no começo e no final.

The second Soviet propaganda film with / for children was “Adventures of a Penny” (also 1929), set in Tsarist times, when working-class children smoked and could only play on the streets. It follows naughty Fedka (Kolia Kopelian) in his many adventures, always perpassed by the rich and spoiled Tolya (Mark Orlov). This movie had a great musical accompaniment by Olga Podgaiskaya, complete with a children’s chorus in the beginning and end.

Os estúdios Ambrosio se fizeram presentes novamente com “O Torpedeamento do Oceânia” (191), feito por Augusto Genina em seu quinto ano como cineasta e estrelando Ileana Leonidoff em seu primeiro papel no cinema, e já como vilã. Algo curioso é que todas as cartelas de texto de “Os Últimos Dias de Pompeia” estão marcadas com o número 899, enquanto as cartelas aqui têm o número 1159. Isso significa que quase 300 filmes foram feitos pelos estúdios Ambrosio em quatro anos? Talvez. E não pense que Ambrosio só fazia filmes sobre desastres: o afundar do navio ocupa só a primeira curta parte do filme, o resto envolve um casal de “aventureiros” e uma herdeira numa corrida por uma herança. Outra coisa bacana de se ver é o uso de um avião como parte da trama, meros dez anos depois que Santos Dumont o inventou.

Ambrosio studios was present once again in “Il Siluramento dell’Oceania” (1917), made be Augusto Genina on his fifth year as a filmmaker and starring Ileana Leonidoff in her first film role – and as a villain. One curious thing is that all title cards from “The Last Days of Pompeii” are marked with the number 899, while all the title cards here have the number 1159. Does it mean that almost 300 films were made by Ambrosio in four years? Maybe. And don’t think that Ambrosio only made movies about disasters: the sinking of the ship is only the short first part, the rest of the movie involves a couple of “adventurers” and the rightful heiress in a race to secure an inheritance. Another nice thing to see is an airplane as a plot device, mere ten years after Santos Dumont invented it.

Falando em navios, o filme que se seguiu ao Oceânia na programação foi “O Navio Sangrento / The Blood Ship” (1927). Ele segue um marinheiro ingênuo (Richard Arlen) que embarca no Golden Bough, um navio comandado pelo sádico capitão Angus Swope (Walter James). Com Jacqueline Logan como interesse amoroso do personagem de Arlen e Hobart Bosworth num papel incomum em sua carreira, este é um filme relativamente curto com muita ação e plot twists.

Speaking of ships, the film that followed the Oceania in the program was “The Blood Ship” (1927). It follows a naïve sailor (Richard Arlen) who goes aboard the Golden Bough, a ship commanded by the sadistic Captain Angus Swope (Walter James). With Jacqueline Logan as a love interest for Arlen’s character and Hobart Bosworth playing against type, this is a short-ish film with lots of action and plot twists.

Uma série na Giornate permitiu que o público redescobrisse o imenso talento de Italia Almirante Manzini, que curiosamente morreu aqui no Brasil – mas NÃO em decorrência de uma picada de aranha, como comumente se diz. Em “A Sombra / L’Ombra”, um drama de 1923 em sete partes, Italia interpreta Berta, uma mulher da alta sociedade que repentinamente fica paralisada do pescoço para baixo. Como ela passa anos nesta condição, sob esta “sombra”, seu marido Gerardo (Alberto Collo) se transforma num famoso pintor e forma uma nova família com a amiga de Berta Elena (Liliana Ardea). Ele terá coragem de contar a verdade para Berta? Ou Berta milagrosamente se recuperará? Quem viu sabe!

A series at the Giornate allowed the audience to rediscover the huge talent of Italia Almirante Manzini, who curiously died here in Brazil - but NOT from a spider bite as it’s often claimed. In “The Shadow / L’Ombra”, a 1923 drama in seven parts, Italia plays Berta, a high-society woman who suddenly becomes paralyzed from the neck down. As she passes years under this condition, under this “shadow”, her husband Gerardo (Alberto Collo) becomes a famous painter and forms a new family with Berta’s friend Elena (Liliana Ardea). Will he get the courage to tell the truth to Berta? Will Berta make a miracle recovery? Watch and see!

Em seguida, “The Lady with the Mask / Die Dame mit der Maske” (1928), baseado em ideia original de Henrik Galeen – a mesma mente por trás de “Nosferatu” de 1922. A história se passa na Alemanha num período de hiperinflação, que abala o mundo do Barão von Seefeld (Max Gülstorff) e de sua filha Doris (Arlette Marchal). Também com dívidas está o diretor de uma revista de teatro que é obrigado a dar um papel para Kitty (Dita Parlo), amante do homem para quem o diretor deve dinheiro. Doris encontra, numa casa de penhores, seu velho amigo Alexander (Vladimir Gajdarov), que é figurante na revista e sugere que ela vá ao teatro tentar um papel. Ela consegue um papel, mas quer permanecer anônima, e a saída é usar uma máscara na revista, pois seu distinto pai não pode saber o que ela está fazendo para ganhar dinheiro. Então uma subtrama sobre a recuperação de um par de botas é inserida, e o resultado é suspense e diversão. Filmes mudos alemães nunca me decepcionam, e com este até aprendi algumas palavras com as cartelas de texto.

Next, “The Lady with the Mask / Die Dame mit der Maske” (1928), from an original idea by Henrik Galeen - the same mind behind 1922’s “Nosferatu”. The story happens in Germany in a period of hiperinfaltion, which makes things difficult for the Baron von Seefeld (Max Gülstorff) and his daughter Doris (Arlette Marchal). Also in debt is the director of a theater revue that is forced to cast Kitty (Dita Parlo), the lover of the man the director owes money to. Doris meets at a pawnshop her old friend Alexander (Vladimir Gajdarov), who is an extra at the revue and suggests she should go to the theater and maybe grab a role. She gets a role, but wants to remain uncredited, so the way out is performing wearing a mask, since her distinguished father can’t know what she is doing for money. Then a subplot about the recovery of a pair of boots is inserted, and the result is suspense and fun. German silents never fail to amuse me, and in this I even learned a few words in the title cards.

Even the flowers wear a mask!

No último dia a programação fechou o ciclo com a Chaplin Connection mais uma vez. Desta vez o curta foi “Soldier Man” (1926), que serve ao mesmo tempo como proto “O Grande Ditador” e um remix de “Carlitos nas Trincheiras” com um twist. Estrelando Harry Langdon, a gag com a vaca explodindo foi a mais engraçada. E mais diversão estava reservada para nós com o filme de encerramento, “Are Parents People?”. Nele, uma jovem chamada Lita (Betty Bronson) descobre, em choque, que seus pais (Adolphe Menjou e Florence Vidor) vão se separar. O fato de Lita ser expulsa do colégio interno só a ajuda em seu plano de fazer seus pais se preocuparem por algo em comum – ela mesma – e assim se reconciliarem.

On the last day the program came full circle with the Chaplin Connection all over again. This time the short was “Soldier Man” (1926), one that serves at the same time as a proto “The Great Dictator” and a retelling of “Shoulder Arms” with a twist. Starring Harry Langdon, the gag with the cow exploding was the funniest. And more fun was in storage for us with the closing film, “Are Parents People?”. In it, a young woman named Lita (Betty Bronson) learns with shock that her parents (Adolphe Menjou and Florence Vidor) are separating. Lita being expelled from boarding school only helps her plan to make her parents worry about a common subject - herself - and thus reconcile.

Os curtas na programação foram todos muito bons, e fiquei intrigada com aqueles que formaram parte da série que o diretor da Giornate Jay Weissberg chamou de “The World that Was, the World to Come”. Estes curtas, travelogues ou filmados por encomenda, nos permitem ver tempos, lugares e pessoas que se foram há muito tempo. Cidades destruídas pela guerra, como Aleppo na Síria e Kharkiv na Ucrânia, voltam à vida à nossa frente. Mesmo o Rio de Janeiro, na era do cinema mudo a capital do Brasil, foi o assunto do curta “La Capital de Brésil”, que inclusive me ensinou algumas coisas – aqui, duas observações: dê uma olhada no artigo sobre o filme no catálogo, escrito pelo diretor premiado em Cannes Kleber Mendonça Filho, e há surpresa genuína na inclusão de pessoas negras nos círculos da alta sociedade, mas lembremo-nos de que o Brasil é um país profundamente racista e o era ainda mais nos anos 30, mas havia na época o mito da “democracia racial”, que defendia uma coexistência pacífica entre brancos e negros. Bobagem.

The shorts in the program were all very good, and I was intrigued by the ones in a series the Giornate director Jay Weissberg called “The World that Was, the World to Come”. These shorts, either travelogues or commissioned works, allow us to see times, places and people long gone. Cities destroyed by the war, like Aleppo in Syria and Kharkiv in Ukraine, come back to life in front of us. Even Rio de Janeiro, during the silent era the capital of Brazil, got the treatment and the short “La Capital de Brésil” even taught me a couple of things - here, two thoughts by Jay are worth mentioning: do take a look at the catalogue notes for the film, written by the Cannes-winning director, Kleber Mendonça Filho, and the surprise of the existence of an elite that includes black people is genuine, but let’s remember that Brazil is a very racist country and was even more in the 1930s, but there was at the time the myth of the “racial democracy”, claiming that white and black people in the country lived harmoniously. Bullshit.

Além da tela dividida em “Le Nain”, houve outros truques de câmera bacanas, como a reflexão na taça em “Saias”, visto abaixo, os binóculos sem uma lente em “Robinson on his Own”, entre outros. Além disso, houve muitas metáforas visuais em “Sketches of a Soviet City” (1929). Surpreendentemente, houve momentos em que o som foi necessário, e aqui destaco dois momentos de “The Lady with the Mask”: quando o colega de quarto de Alexander está usando um martelo para pregar uma nota na porta da frente, e a festa após a estreia, quando Charleston foi executado na trilha sonora.

Besides the split-screen in “Le Nain”, there were other cool camera tricks, such as the reflection at the glass in “A Little Bit of Fluff”, seen below, the binoculars without a glass in “Robinson on his Own”, among others. Moreover, there were plenty of visual metaphors in “Sketches of a Soviet City” (1929). Surprisingly, there were moments when sound was necessary, and here I highlight two moments from “The Lady with the Mask”: when Alexander’s roommate is using a hammer to hang a note at the front door and the premiere after party, when Charleston was executed on the soundtrack.

O que eu mais amo sobre os filmes mudos é que eu posso saber muito sobre eles e muitos estão perdidos, mas há sempre algo mais para aprender com a imensa quantidade que há disponível. E isso foi mais uma vez reforçado pela incrível Giornate deste ano.

What I love the most about silent movies is that I may know a lot about them and there is so much lost, but there is always more to learn with the mammoth amount that is available. And this was again reinforced by this year’s amazing Giornate.

Tampopo: Os Brutos Também Comem Spaghetti (1985) / Tampopo (1985)

 

Uma das coisas mais divertidas no mundo do cinema é a troca de títulos de um país para o outro. Sobre isso eu fiz toda uma série de artigos, Lost in Translation. O filme que vi hoje é outro com um título, ou melhor subtítulo, engraçado dado no Brasil: “Tampopo: Os Brutos Também Comem Spaghetti”. É uma referência clara ao faroeste de sucesso “Os Brutos Também Amam” (1953), originalmente intitulado somente “Shane”. Um filme sem caubóis ou tiroteios, “Tampopo” é um destes filmes que te deixa… faminto.

One of the funniest things in the movie world is the change of titles from country to country. That’s why I devoted a whole series to that, the Lost in Translation series. The movie I watched today is one with a funny title, or rather subtitle, here in Brazil: “Tampopo: The Brutes Also Eat Spaghetti”. It’s a clear reference to the title of the successful western “Shane” (1953): in Brazil the title is “The Brutes Also Love”. A film without cowboys and gunfights, “Tampopo” is one of those films that truly makes you… hungry.

O filme começa com uma cena incomum: um casal chega num cinema, se senta na primeira fila e lhes é servido um banquete por seus funcionários. O homem quebra a quarta parede para saber o que nós, também prestes a ver o filme, estamos comendo. Depois de um desabafo sobre o barulho das pipocas e de seus saquinhos, o filme pode começar.

The film begins with an unusual scene: a couple arrives at a movie theater, seats in the front row and is served a banquet by their maids. The man then breaks the fourth wall in order to know what we, also about to see the movie, are eating. After a rant about the noise of popcorn and popcorn bags, the movie can begin.

Numa noite chuvosa, os motoristas de caminhão Goro (Tsutomu Yamazaki) e Gun (Ken Watanabe) chegam famintos a uma loja de ramen (como a iguaria é chamada no Japão, na China o chamam de lámen), cuja cozinheira é chamada Tampopo, que significa “dente de leão” (Nobuko Miyamoto). Goro se envolve numa briga e, ferido, é levado para a casa de Tampopo. Como forma de retribuir a ajuda, ele decide treiná-la para melhorar seu ramen, que deve ser preparado em menos de três minutos e deve também ser delicioso para atrair filas de clientes. Para conseguir isso, eles consultam especialistas e espiam a concorrência.

One rainy night, truck drivers Goro (Tsutomu Yamazaki) and Gun (Ken Watanabe) arrive hungry at a noodle shop, whose cook is a woman named Tampopo, that means “dandelion” (Nobuko Miyamoto). Goro gets involved in a fight and, hurt, is taken by Tampopo to her house. As a way of thanking her, he decides to train her in order to improve her noodles, which must be prepared in under three minutes and be delicious in order to attract more clients. To achieve this, they hear from experts and spy on the competitors.

A saga de Tampopo é atravessada por esquetes sobre comida. Num jantar de negócios, todos pedem o mesmo prato modesto, exceto um jovem que pede comida chique e vinho caro. Uma mulher tenta ensinar boas maneiras a um grupo de moças que são desafiadas a comer spaghetti sem fazer barulho. Num quarto de hotel um homem pede um carrinho cheio de comida, para poder lamber chantilly do seio de sua amante e mel de seus lábios. Um homem com dor de dente tenta comer e não consegue, mas mais tarde oferece sorvete a um garoto que literalmente carrega um bilhete da mãe pedindo que não lhe ofereçam doces. Uma senhora é pega apertando diversos tipos de comida num supermercado. Uma mulher moribunda parece se recuperar quando seu marido ordena que ela se levante e faça o jantar. Esses e outros esquetes servem para mostrar que o ato de comer também pode ser sensual, social, subversivo. 

Tampopo’s saga is intertwined with sketches about food. At a business dinner, everybody asks for the same modest dish, except a young man who orders fancy food and expensive wine. A woman tries to teach good manners to a group of girls who are then challenged to eat spaghetti without making a noise. In a hotel room a man orders a cart full of food, so he can lick cream from his lover’s breast and honey from her lips. A man with a toothache tries to eat and fails, but later offers an ice cream to a boy who literally carries a note from his mother asking to not be given candy. An old lady is caught squeezing various foods at a supermarket. A dying woman seems to recover when her husband tells her to get out and prepare dinner. These and other sketches serve to show that eating can also be erotic, social, subversive.

Toda a comida é só um pretexto para contar a história de duas pessoas solitárias que se encontram e se entendem. Tampopo é viúva e tem um filho. Goro cresceu no que ele chama de um lar horrível, por isso construiu um lar diferente, “respeitável”, para sua esposa e filhos, até que um dia sua esposa o deixou e levou as crianças. Ele conta essa história, obviamente, enquanto eles comem.

All the food is just a pretext to tell a story about two lonely people who meet and click. Tampopo is a widow and has a son. Goro grew up in what he calls a horrible home, so he built a different, respectable one, for his wife and kids, until one day his wife left him and took the kids. He shares this story, of course, while they eat.

Um personagem diz que “a culinária francesa é uma batalha constante contra o fogão”. Embora a culinária francesa seja considerada por muitos a melhor do mundo, em qualquer ocasião eu escolheria comida oriental no lugar de comida francesa. Mais tarde, Goro diz que, com seu uniforme, Tampopo parece uma estrela do cinema francês. Eu certamente já vi mais filmes franceses do que orientais, mas posso mudar isso a qualquer momento.

One character says that “the French cuisine is a constant battle with the stove”. Although French food is considered by many the best in the world, on any given day I’d choose Oriental food over French food. Later, Goro says that, with her uniform, Tampopo looks like a star from French movies. I’ve certainly watched more French than Oriental movies, but it’s always time to change that.

De acordo com o IMDb, “Tampopo” iniciou uma série de filmes relacionados com a comida, incluindo o sublime “A Festa de Babette” (1987) - o filme preferido da minha mãe e do Papa Francisco - e que foi até o filme de Juliette Binoche “Chocolate” (2000). Lá também informaram que “Tampopo” é referência constante no filme de 2008 “O Sabor de uma Paixão”, incluindo uma aparição especial do protagonista Tsutomu Yamazaki. A comida sempre esteve presente no cinema, incluindo a refeição infantil no curta de Lumière “O Almoço do Bebê” (1895) e a sequência em que Chaplin come um sapato em “Em Busca do Ouro” (1925), evocado em “Tampopo”. 

Per IMDb, “Tampopo” initiated a line of food-related movies, which included the sublime “Babette’s Feast” (1987) - my mother’s and Pope Francis’s favorite movie - and can go on to the Juliette Binoche vehicle “Chocolat” (2000). There we are also informed that “Tampopo” is referenced several times in the 2008 film “The Ramen Girl”, including a cameo by the lead Tsutomu Yamazaki. Food in film had always been present, including the baby’s breakfast in the Lumière short “Repas de bébé”(1895) and Chaplin’s shoe-eating sequence in “The Gold Rush” (1925), evoked in “Tampopo”. 

De certa maneira, Goro é como Shane: chega num lugar, melhora as coisas e vai embora. Seu legado é esperança e melhorias. O próprio diretor Juzo Itami chamou “Tampopo” de “ramen western”, numa referência ao termo “spaghetti western”, usado para falar sobre westerns feito na Itália. No final das contas, o subtítulo brasileiro, tão estranho à primeira vista, estava correto. 

In a way, Goro is like Shane: he arrives in a place, makes things better and leaves. His legacy is one of hope and improvement. Director Juzo Itami himself called “Tampopo” a “ramen western”, in a reference to the term “spaghetti western”, used to talk about westerns made in Italy. In the end, the Brazilian subtitle, so weird at first glance, was correct.

This is my contribution to the Food & Film blogathon, hosted by 18 Cinema Lane.